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La Loure a pour objectifs de recueillir, sauvegarder et valoriser les chansons, musiques et danses traditionnelles, et plus largement, les traditions orales de Normandie. A cette fin, elle a défini 5 axes d’intervention : - la recherche : enquêtes de terrain afin de recueillir la mémoire des traditions orales, recherches iconographiques, archivistiques, bibliographiques et organologiques - l’animation : randonnées chantées, veillées, bals - la formation : ateliers et stages de chants traditionnels et de pratique instrumentale ; organisation de journée d’initiation à l’enquête de terrain - l’édition de 5 CD (2 autres sont en préparation) et d’un recueil de tablatures et de partitions pour accordéon diatonique - les archives sonores et audiovisuelles : travail avec les services d’archives compétents pour assurer la conservation sur le long terme et la mise à disposition des informations recueillies sur le terrain A travers le temps, les noces ont en commun leur caractère festif. Ce disque, réalisé par l'association La Loure en partenariat avec l'association Hale Dessus, propose un parcours à travers les chansons et musiques traditionnelles qui ont accompagné les mariages, d'hier à aujoud'hui en Normandie. Morceaux rituels ou refrains de table. Complaintes ou airs à danser, ces mélodies montrent ici toute leur saveur et leur actualité. Avec ce disque, faites-vous l'invité de la noce!

Membres du groupe Alejandro Ugarte Mendia - chant Aurelien Ugarte Mendia - clarinet, saxophone Bachir Rouimi - percussions - chant Samuel Delafuys - batterie Gabriel Bonnin - guitare, violon Alexis Denis-Callier - basse Deborah Dawson "La Caramelita" - danse, chant Sebastien Garcia - sonorisateur Le groupe est composé de six musiciens et d'une danseuse. L'idée directrice du projet réside dans le mélange des cultures; de la tradition et de la modernité. On parle d'un petit orchestre "international". La musique tzigane est devenue un prétexte à l'expression libre des musiciens du groupe.

Sortir un album dans le monde entier est un moment spécial pour n'importe quel artiste, mais quand vous êtes un artiste qui a grandi dans le nord du Ghana sans éducation, qui a passé sa vie à élever des vaches et des chèvres, à construire ses propres instruments et à apprendre à chanter, cela prend un tout autre sens. C'est le cas de Guy One, un artiste absolument unique qui écrit et interprète de la musique frafra, un style qui vient d'une petite région du nord du Ghana. Sa musique est maintenant à l'aube de trouver un public beaucoup plus large grâce au label Philophon de Max Weissenfeldt (Jimi Tenor, Hailu Mergia, Alemayehu Eshete)...

Alan Stivell, né le 6 janvier 1944 à Riom, est un auteur-compositeur-interprète et musicien français qui milite pour la reconnaissance culturelle, linguistique et politique de la Bretagne. Chanteur, il est aussi multi-instrumentiste : bombarde, cornemuse écossaise, whistles, synthétiseurs et surtout harpe celtique. Avec la première harpe néo-celtique construite par son père, originaire de Gourin, il contribue à la renaissance de cet instrument et de la musique bretonne moderne. Héritier du premier renouveau musical breton avec la création des bagadoù, inspiré par le folk-song et le rock anglo-saxons, il nourrit le mouvement folk des années 1960. Sa personnalité et son travail ont joué un rôle majeur dans la popularisation de la musique celtique en Bretagne et dans le monde : il est en grande partie à l'origine de ce mouvement de renouveau des années 1970, notamment grâce à l'électrification de cette musique et par sa conceptualisation. Alan Stivell se rend ainsi célèbre par ses arrangements dans le répertoire traditionnel, même si l'autre partie de son œuvre est la création de nouveaux morceaux. Reconnu aux États-Unis et au Canada en tant que harpiste new age, il réalise plusieurs tournées internationales. Il influence le sursaut que connaît la langue bretonne et la fierté du peuple breton. Il ouvre la voie à d'autres groupes ou artistes, suscite des vocations chez les jeunes, les luthiers, les enseignants et devient un modèle pour d'autres cultures. Il interprète majoritairement des paroles en langue bretonne, mais aussi dans d'autres langues celtiques, en français et en anglais. À la suite de son père, il élabore des prototypes de harpes électriques. Son œuvre musicale s'enrichit d’un combat pour la reconnaissance de la culture bretonne et celtique et transmet des messages humanistes de fraternité au-delà des frontières. Cet esprit d'ouverture se traduit dès ses débuts par des métissages culturels et des fusions musicales, ce qui en fait l'un des précurseurs de la world music, qu'il définit clairement sur son premier album Reflets. La quête d'une « musique globale », dans l'espace et le temps, renforce le panceltisme et recentre la Celtie. 1 Douar (One Earth en anglais) est le dix-neuvième album d'Alan Stivell, paru en mars 1998 par les Disques Dreyfus. Le titre signifie indifféremment « une terre » en breton et « un village » en arabe et en kabyle. La musique se joue des frontières pour aller à la rencontre des autres cultures, formant néanmoins une unité.

L'Orchestre national de Barbès (ONB) est un groupe de musique Franco-Maghrebin, fondé en 1995 par le bassiste et compositeur algérien Youcef Boukella qui a été un des musiciens de Cheb Mami et Aziz Sahmaoui compositeur et musicien marocain de gnawa, Le groupe ONB s'est formé à Paris, plus précisément dans le quartier de Barbès, d'où le nom du groupe. Historique Ce groupe, qui peut être classé dans la catégorie Gnaoua, fusionne de nombreux genres musicaux du Maghreb comme le chaâbi, le raï, la musique gnaoua avec des musiques du monde telles que la salsa, le reggae, le jazz, le funk ou encore le rock afin d'obtenir une sonorité originale. D'origine multi-ethnique, les membres du groupe sont de diverses nationalités 23. Le groupe effectue de nombreux concerts partout dans le monde, mais sa notoriété est surtout ancrée en France et dans les pays du Maghreb. En guise de symbole sur l'ensemble de ses disques et affiches de concerts figure un vieux musicien gnaoua tirant la langue.

Bien que s'étant frotté à une multitude de genres, la pop-star turque, Baris Manço (1943-1999) se spécialisa dans le rock, la pop et le funk. Enfin disponible cet album paru en 1975 au format CD. Le livret comprenant une documentation exhaustive et un panel de photos inédites. 2023 est le premier chef d'oeuvre de son auteur. Mélodies savoureuses, soli de guitare exacerbés, basse et batterie tricotant sec et serré et synthétiseurs kitsch sont au programme !

Salif Keïta, né à Djoliba le 25 août 1949, est un chanteur et musicien malien. Salif Keïta est descendant en ligne directe du fondateur de l’Empire du Mali, Soundjata Keïta. Il souffre d'albinisme dans une région où les albinos sont mal vus en raison des pouvoirs maléfiques qui leur sont attribués. Après ses études, il rêve de devenir instituteur mais il est recalé à cause de sa mauvaise vue. Il décide alors de devenir chanteur ce qui va créer un scandale dans sa famille. Traditionnellement, la musique est réservée à la caste des griots, et les Keïta sont une famille de princes. Il est rejeté par sa famille et part à Bamako en 1968. Il intègre le groupe du saxophoniste Tidiani Koné, le « Rail band de Bamako », qui joue tous les soirs au buffet-hôtel de la gare à Bamako, et obtient d’importants succès avec son répertoire composé d’airs traditionnels interprétés de façon moderne.

Rodrigo Leao s'est laissé éblouir et emporté par la nature qui l'entoure et de cette expérience est né un nouvel album inattendu, A Estranha Beleza da Vida. Un disque positif, joyeux et festif avec des invités spéciaux tels que Kurt Wagner de Lambchop, Martirio, Suso Saiz, Michelle Gurevich ou Surma.

ABC D’airs d’Afrique - CD Audio A chaque lettre de l’alphabet correspond une poésie, une comptine ou une chanson autour d’éléments représentatifs de l’Afrique. Musique rythmée avec en fond des bruits d'animaux d'Afrique. Textes faciles à retenir par les enfants.

Astor Piazzolla (Astor Pantaleón Piazzolla), né le 11 mars 1921 à Mar del Plata et décédé le 4 juillet 1992 à Buenos Aires, est un bandonéoniste et compositeur argentin. Il est considéré comme le musicien le plus important de la seconde moitié du XXe siècle pour le tango. Enfance : Astor Piazzolla, fils d'immigrés italiens, est né à Mar del Plata, à 400 kilomètres au sud de Buenos Aires, un port de pêche qui n'est pas encore devenu une station balnéaire aristocratique. À l'âge de trois ans, il part avec ses parents Vicente Piazzolla et Asunta Manetti pour New York. Quand Astor Piazzolla a huit ans, son père, passionné de tango, lui offre un bandonéon. L'enfant est déçu, il aurait préféré un saxophone car la musique qui le passionne alors est le jazz. Un jour qu'il joue dans la cour de son immeuble, Astor découvre Jean-Sébastien Bach : c'est le pianiste Bela Wilda, ancien élève de Rachmaninoff, qui étudie neuf heures par jour. La musique de Bach l'impressionne tant qu'il veut prendre des cours avec Bela Bartok. Contexte familial : En 1936, la famille Piazzolla retourne à Mar del Plata. Astor, alors adolescent ne sait pas quoi faire de sa vie. Parfois il joue du bandonéon, mais sans conviction, parce qu'il ne s'intéresse toujours pas au tango. C'est un concert du violoniste Elvino Vardaro avec son Sexteto tipico, à Mar del Plata, qui le fait finalement changer d'avis : Astor découvre une nouvelle manière de jouer le tango qui le passionne. Tout de suite, il forme son premier ensemble, le Cuarteto Azul, en copiant le style d'Elvino Vardaro. En 1938, à dix-sept ans, il décide de devenir bandonéoniste professionnel et s'installe à Buenos Aires. Pendant un an, il joue dans des orchestres médiocres. Tous les soirs, il se rend au Germinal - le Broadway de Buenos Aires - où le célèbre bandonéoniste Aníbal Troilo joue avec son Orquesta tipica. Quand un des bandonéonistes tombe malade, Astor demande à son ami le violoniste Hugo Baralis, qui fait partie de l'orchestre, de le présenter au maestro. Comme Astor connaît tout le répertoire par cœur, il est engagé le soir même dans l'orchestre, l'un des meilleurs de l'époque. Aníbal Troilo lui fait parfois des remontrances pour qu'il se cantonne dans les frontières strictes qui sont celles de l'orchestre. À cette époque l'Argentine est un pays riche et les gens veulent oublier la misère des années 1930, ils ont envie de s'amuser et d'aller danser. Les salles de bal se multiplient, il y a des milliers d'orchestres de tango à Buenos Aires et un peu partout dans le pays. Chaque orchestre a son style. Comme dans le jazz, tout le monde joue les mêmes morceaux, mais avec des arrangements particuliers. L'orchestre d'Aníbal Troilo utilise des arrangements très élaborés avec un style mélodique caractérisé par le jeu extraordinaire du bandonéoniste à la fois soliste et chef d'orchestre. Très vite, Piazzolla commence à écrire des arrangements pour cet orchestre, et à composer des tangos. Mais le jeune bandonéoniste n'est pas satisfait de ce travail nocturne. Il veut être un « vrai » compositeur de musique classique. Il prend des cours avec le compositeur Alberto Ginastera et assiste chaque après-midi aux répétitions de l'orchestre symphonique du théâtre Colon. L'Orquesta Tipica de 1944 à 1951. En 1944, il abandonne l'orchestre de Troilo et dirige celui qui accompagna le fameux chanteur Francisco Fiorentino. À partir de là, Piazzolla commence à lâcher la bride à sa créativité. Peu de temps après, il crée son propre orchestre. Parmi les morceaux qu'il interprète, cinq, tous écrits de sa main, se détachent et dont l'un porte le titre, sans doute intentionnel, de Prepárense (en français « Préparez-vous »). Au début des années 1950, il pense sérieusement abandonner le tango pour se consacrer à la musique classique. Mais il enregistre encore quelques plages pour le label TK. Paris : En 1954, il peut enfin réaliser son rêve : il reçoit le premier prix de composition Fabien-Sevitzky et obtient une bourse pour aller étudier à Paris avec Nadia Boulanger qui lui enseigne l'art du quatuor à cordes. Cette grande pédagogue a permis à toute une génération de compositeurs de s'affirmer sur la scène internationale : Quincy Jones, Lalo Schifrin, Aaron Copland, Leonard Bernstein, Philip Glass et Astor Piazzolla. Ce dernier, lorsqu'il arrive à Paris, maîtrise déjà l'écriture néo-classique grâce à Alberto Ginastera. Mais il lui manque l'essentiel : la personnalité et la révélation. Piazzolla est un tanguero génial, mais frustré. Il veut être Bartók, Stravinsky, pas Troilo ou Julio De Caro. À la fin de son année d'études, Nadia Boulanger critique le manque de personnalité de ses compositions et lui demande ce qu'il faisait avant de venir chez elle. Piazzolla lui révèle qu'il était bandonéoniste et qu'il a écrit des tangos. Elle lui demande de jouer une de ses compositions. Il joue Triunfal. Elle s'emploie alors à mettre en lumière chez lui un concept très à la mode à l'époque : utiliser les musiques populaires comme un inépuisable vivier d'idées, tout en l'enrichissant d'un langage évolué et contemporain. Les paroles de Nadia Boulanger bouleversent tellement Astor Piazzolla qu'il se met à travailler comme un possédé. Piazzolla commence à appliquer à la lettre ce concept en 1955 avec l'enregistrement des sessions parisiennes avec les cordes de l'Opéra de Paris, Martial Solal et Lalo Schifrin au piano et lui-même au bandonéon. Il gravera environ 16 morceaux, pour la plupart écrits par lui (Chau Paris, Sens Unique, Picasso, Marron Y Azul etc.). Orquesta de Cuerdas y Octeto Buenos Aires : Quand Piazzolla retourne à Buenos Aires en 1957, il crée un orchestre avec cordes, piano et bandonéon. Il s'entoure des meilleurs solistes et musiciens de tango de la ville tels qu'Elvino Vardaro, Jaime Gossis et José Bragato qui seront des vecteurs importants de la musique de Piazzolla à cette époque. Avec cet orchestre il montre toute son habileté à l'écriture pour cordes. Son répertoire comporte une moitié de compositions, parmi lesquels Tango del ángel (Tango de l'ange) et Tres minutos con la realidad (« Trois minutes avec la réalité »), Melancolico Buenos Aires, lo que vendra (« Ce qui viendra »), tandis qu'il réinterprète certaines partitions créées par d'autres compositeurs (Sensiblero, Fuimos, la Cachila, la Cumparsita). À la même époque, il fonde son fameux Octet Buenos Aires avec Mario Francini, Hugo Baralis (violon), Leopoldo Federico (bandoneon), Atilio Stampone (piano), José Bragato (violoncelliste), Eduardo Vasalo (contrebasse) et Horacio Malvicino (guitare électrique). Il n'est composé que de jeunes et grands leaders d'orchestres de l'époque ce qui donne une légitimité supplémentaire à ce projet. Piazzolla introduit la guitare électrique, et les chorus bebop de Malvicino apportent une couleur des plus moderne à l'ensemble. L'Octeto Buenos Aires adopte une recette simple composée de 50 % de tangos traditionnels (negracha, a fuego lento, los mareados), 25 % de compositions de Piazzolla (marron y azul Tango Ballet), 25 % de composition des membres du groupe (Cabulero, Tangology, Haydee). Il enregistre deux disques LP et un 78 tours avec cette formation qui suscitent la controverse, la polémique, un cataclysme et une guerre ouverte entre les tenants de la tradition et ceux qui se réclament de Piazzolla[réf. nécessaire]. Leopoldo Federico se souvient des répétitions prévues au dernier moment dans le secret car des hommes les attendaient devant leur local pour leur casser la figure[réf. nécessaire]. Il raconta qu'un jour tous les musiciens étaient prêts à commencer le concert ; on cherchait Piazzolla partout, jusqu'au moment où une émeute ronfla du fond de la salle. Piazzolla était au cœur de la mêlée. Il se battait avec rage contre ses détracteurs. L'Octeto est dissous en 1958, il n'est pas viable et personne ne veut prendre le risque de programmer leur musique. Après cette expérience, Astor Piazzolla relégue la guitare à un rôle d'accompagnement dans le quintette. En 1958, il se rend à nouveau à New York ; il tente d'opérer une fusion entre tango et jazz qui échoue et qu'il critiquera vivement par la suite.

Recueillir des pièces des différents articles dans les anciens catalogues Sunset-France, édition Pierre Verger : Afrique - De Dakar à Johannesburg prend une coupure dans l'ensemble de la musique africaine subsaharienne dans un album. Inutile de dire que c'est un peu trop. En tant que tel, l'accent est principalement mis sur l'Afrique de l'Ouest (Mali, le Sénégal, etc.) et en Afrique centrale (principalement des Congolais), avec un peu d'Afrique du Sud lancés ici et là. L'humeur se déplace de haut en bas, rapide à lent, à mesure que la musique passe d'un pays à l'autre. Les musiciens griottes de l'empire malien et d'autres pays occidentaux, de la musique contemporaine du Burkina Faso et du Sénégal, des précurseurs du souk du Congo, des isicathamiya d'Afrique du Sud et une petite quantité de pièces des Drummers of Burundi, un ensemble relativement réussi Sur certains enregistrements de RealWorld. La musique est généralement bien interprétée, avec des prises particulièrement aimantes et rafraîchissantes de Boni Gnahore, Mamany Kouyate (un chanteur des National Ballets du Mali) et le groupe de percussions Bana Kin de la RD Congo. Le seul problème réel avec l'album est le manque de cohérence ou d'histoire. Il y a tellement de cultures et d'expressions musicales représentées ici, elles constituent un échantillonneur de schizoïde plutôt qu'une compilation singulière. Néanmoins, il constitue un tremplin décent pour ceux qui sont entièrement nouveaux pour la musique africaine, et offre quelques bonnes surprises pour les initiés. ~ Adam Greenberg

Magic System est un groupe de musique ivoirien, découvert par le public français grâce au succès de leur single Premier Gaou en 2002. Il était attendu depuis un an déjà, et l'impatience avait augmenté avec la sortie de ses deux premiers singles, « Mamadou » et « Magic in the Air ». Le septième album de Magic System est enfin disponible ! Le groupe ivoirien né en 1997 connait un immense succès en France et en Côte d'Ivoire depuis son single « Premier Gaou » sorti en 2002. Aujourd'hui, le succès continue avec « Africainement Vôtre » qui, sur fond de savants dosages rythmiques et de mélodies africaines prône un monde meilleur. Magic System a défini son nouvel album de la manière suivante : « par ses mots, son esprit positif, il est une déclaration d'amour à l'Afrique en même temps qu'une invitation au voyage et à l'ouverture aux autres ».

Emmanuel N'Djoké Dibango, dit Manu Dibango, est un saxophoniste et chanteur camerounais de world jazz né le 12 décembre 1933 à Douala. Il possède également la nationalité française (ce qui est théoriquement strictement interdit par le code de nationalité camerounaise).

Glanés au gré des rencontres, des voyages, des écoutes, les chants de cet album résonnent comme une caverne d'Ali-Baba. Ici et là, se côtoient des trésors de traditions chantées, que nous avons explorés et souvent remaniés. Pendant leur voyage jusqu'à nous, ils ont été transformés. Nous les chantons ainsi modifiés par le trajet et par nos oreilles. Ils portent tous une histoire et content des tranches de vie. Depuis que nous vivons avec, nous cherchons toujours à mieux les connaître, nous, étrangères, étrangers qui interprétons ces mélodies d'ailleurs... où nous nous sentons bien. Les chants sont la mémoire du futur (extrait d'un poème touareg).

Alan Stivell, né le 6 janvier 1944 à Riom, est un auteur-compositeur-interprète et musicien français qui milite pour la reconnaissance culturelle, linguistique et politique de la Bretagne. Chanteur, il est aussi multi-instrumentiste : bombarde, cornemuse écossaise, whistles, synthétiseurs et surtout harpe celtique. Avec la première harpe néo-celtique construite par son père, originaire de Gourin, il contribue à la renaissance de cet instrument et de la musique bretonne moderne. Héritier du premier renouveau musical breton avec la création des bagadoù, inspiré par le folk-song et le rock anglo-saxons, il nourrit le mouvement folk des années 1960. Sa personnalité et son travail ont joué un rôle majeur dans la popularisation de la musique celtique en Bretagne et dans le monde : il est en grande partie à l'origine de ce mouvement de renouveau des années 1970, notamment grâce à l'électrification de cette musique et par sa conceptualisation. Alan Stivell se rend ainsi célèbre par ses arrangements dans le répertoire traditionnel, même si l'autre partie de son œuvre est la création de nouveaux morceaux. Reconnu aux États-Unis et au Canada en tant que harpiste new age, il réalise plusieurs tournées internationales. Il influence le sursaut que connaît la langue bretonne et la fierté du peuple breton. Il ouvre la voie à d'autres groupes ou artistes, suscite des vocations chez les jeunes, les luthiers, les enseignants et devient un modèle pour d'autres cultures. Il interprète majoritairement des paroles en langue bretonne, mais aussi dans d'autres langues celtiques, en français et en anglais. À la suite de son père, il élabore des prototypes de harpes électriques. Son œuvre musicale s'enrichit d’un combat pour la reconnaissance de la culture bretonne et celtique et transmet des messages humanistes de fraternité au-delà des frontières. Cet esprit d'ouverture se traduit dès ses débuts par des métissages culturels et des fusions musicales, ce qui en fait l'un des précurseurs de la world music, qu'il définit clairement sur son premier album Reflets. La quête d'une « musique globale », dans l'espace et le temps, renforce le panceltisme et recentre la Celtie.